By Nino Macharashvili (Executive Curator, M Magazine; Sotheby’s New York). Design: Erie Chang.

From the top of the escalator, looking down, you can take in the movement of the crowd at a glance. Collectors, gallerists, artists, and editors move quickly between the booths with coffees and large tote bags. Outside, black Escalades lined up in a row. After weeks of unusually cold spring weather, the sunlight finally broke through in the afternoon. In that light, Frieze New York 2026 marked its fifteenth edition.

It came right after the opening week of the Venice Biennale — the moment the art world crossed over from Venice into this room. New York art week is always larger than any single fair. Frieze, NADA, and 1-54 run side by side, and the galleries of Chelsea, just south of Hudson Yards, schedule their openings all at once. Sixty-eight galleries, twenty-six countries; over five days, 25,000 visitors from seventy-five countries. It is the smallest of the Frieze editions, but that density is exactly what creates its focus.

Frieze New York 2026 · A Report from The Shed · May 13–17, 2026 · The Shed, Hudson Yards · 68 galleries · 26 countries · 25,000 visitors · 15th edition

If you had to describe the air this year in a single phrase: the hurry was gone. People crowded in from the VIP morning, but the time they spent in front of the work was different. They were not scanning; they were gazing. The maximalist aesthetic that had dominated the last few seasons had subsided, and something more thoughtful had moved into its place. There were more collectors interested in a long-term relationship with an artist than in chasing a trend. The galleries that emphasized conceptual depth and emotional honesty held people the longest.

We have followed Frieze in LA and London for years. Each city dresses the fair in a different temperature. Frieze LA is cinematic — the light is wide, conversation flows, and there is room for experiment. Frieze London carries weight; historical continuity and institutional rigor are its default settings. New York is fast by nature; the city’s cultural metabolism is simply quick. And yet this year there was something working against that speed. A deliberate slowness. As if the whole room had decided that depth mattered more than pace.

James Turrell — Light Bleeding From the Wall

Stand before the booth of Almine Rech (D04). Returning to a New York fair for the first time in years, the gallery brought James Turrell’s Thought as Thing (2025). Inside an oval fiberglass aperture, a computer-programmed LED panel shifts light over a 116-minute cycle — from purple to mint, to teal, back to a soft pink. It was not a painting hung on the wall; it was as if the light were bleeding out of the wall itself. Standing in front of it, the distinction between flat surface and depth dissolves. There was a sense of time stopping.

Turrell’s work never translates through a photograph. You have to be there, in the body. That is why, within the format of a fair, this piece had an unusual presence. The whole booth was built around the theme of chiaroscuro — light and shadow. Günther Förg’s dark canvases, Jeff Koons, Marie Laurencin, even a Picasso — all in conversation within the variations of light and shadow. Almine Rech partner Ethan Buchsbaum said, “We came back after several years, and a response on this level was beyond what we expected.” The work sold in the $900,000–$1 million range.

Cindy Sherman — The Woman in a Paper Crown

From the VIP day on, the most crowded booth was Hauser & Wirth (B08). Cindy Sherman’s new series of large-scale photographs was unveiled here for the first time. Sherman, who redefined contemporary photography with the late-1970s Untitled Film Stills, has stepped in front of the camera again — this time into more lavish, stranger disguises.

In one work she sits on a stool wearing a paper crown. Her eyebrows are covered over with makeup until they disappear. The white costume is immaculate; the starry backdrop is plainly a stage set. The crown is paper. An ordinary person playing at being a monarch. Forty years of Sherman’s work — moving between elegance and absurdity, performance and collapse — is compressed into this single frame. It was the most photographed and most talked-about booth in the fair.

The booth was not Sherman’s alone. Under the frame of “seven women who reshaped contemporary art,” works by Louise Bourgeois, Lee Bul, Jenny Holzer, Lorna Simpson, Avery Singer, and Nairy Baghramian were placed together. Painting, photography, and sculpture, across generations and regions, in conversation inside a single booth. It did the opposite of the trap mega-galleries fall into — overwhelming by square footage and big names. Restraint was the language of this booth.

Booth by Booth

David Zwirner unveiled new paintings by Joe Bradley. Pace Gallery (B10) built a dual booth of Maya Lin and Leo Villareal — sculpture and light meeting in one space; multiple sales were reported in the $100,000–$200,000 range per work. Gagosian brought museum-grade weight with a group presentation gathering Derrick Adams, Nan Goldin, Titus Kaphar, Sarah Sze, and Stanley Whitney; sales of Gerhard Richter, Helen Frankenthaler, and Adriana Varejão followed.

White Cube (B09) recorded the fair’s largest sale. El Anatsui’s LuwVor I (2025) sold for $2.2 million and MivEvi III (2025) for $1.9 million. Antony Gormley’s SET VII (2024) went for £450,000, and Howardena Pindell’s Deep Space #4 (2025) for $275,000. Tracey Emin, Sara Flores, Beatriz Milhazes, and Doris Salcedo were also shown. Thaddaeus Ropac sold Georg Baselitz’s Stunde der Nachtigall (2012) for €1.4 million, with Robert Rauschenberg ($825,000) and Alex Katz ($600,000) also changing hands.

Chelsea’s Karma gathered more than thirty artists into one booth — from a small Gertrude Abercrombie of 1938 to Matthew Wong’s thickly built-up paintings, to woven-basket prints by Maine’s Indigenous artist Jeremy Frey. Milton Avery and Peter Bradley hung on the same wall. Tina Kim Gallery (A09) presented around ten artists crossing the borders of sculpture, textile, painting, and installation, and was counted among the most elegant booths in the fair; Pio Abad’s work was also in the Venice Biennale’s main exhibition, In Minor Keys. Hales (C07) presented a solo of abstraction pioneer Virginia Jaramillo, whose centerpiece sold for $540,000. At James Cohan (B04), Kelly Sinnapah Mary painted directly onto the booth walls, building a garden of Caribbean mangrove forest.

Where Venice and New York Cross

Frieze’s unusual position this year was that it came directly after the Venice Biennale. Artists in the main Venice exhibition In Minor Keys, curated by the late Koyo Kouoh, were here as well — Alvaro Barrington (Emalin, C05), Carolina Caycedo (Instituto de Visión, D09), Michael Joo (Kukje, B15), Nabil Nahas (Lebanon Pavilion, Lawrie Shabibi, D11), Sara Flores (Peru Pavilion, White Cube), Precious Okoyomon (Vatican Pavilion, Mendes Wood DM). Lorna Simpson was in the Hauser & Wirth booth while also on view at Punta della Dogana in Venice.

To see a work in Venice and meet it again in New York — to see the same artist twice, in two different contexts. That continuity gave this year’s Frieze a particular density. It was not mere simultaneity but a landscape of global art discourse moving in real time.

Focus Section — Seba Calfuqueo’s Hair

The Focus section is made up of solo presentations by galleries twelve years old or younger. Led by third-year curator Lumi Tan, it is where the sharpest discoveries at Frieze happen each year. Eleven galleries took part this year, seven of them new.

This year’s prize went to W-galería of Buenos Aires, with London’s Soft Opening and New York’s Gordon Robichaux receiving special mention. The artist W-galería presented was Seba Calfuqueo — a young Mapuche artist based in Santiago, Chile. In the largest work, Culpas (2026), a ceramic mouth spews strands of synthetic hair, and that hair spells out the word Culpas — “blame.” Whose blame? The work does not say. Calfuqueo has spoken of how “hair carries a special meaning in the Mapuche worldview, and allows one to escape binary systems.” A series re-creating Mapuche artifacts held in Berlin’s Ethnological Museum in silver-leaf ceramic was also shown — the act of taking back what was looted.

The newly established Sherman Family Foundation fund collects Focus artists’ works for museums. The first year’s acquisitions named Bettina, Joanne Burke, Seba Calfuqueo, and Reika Takebayashi, with works entering the Baltimore Museum of Art and the Brooklyn Museum. Takebayashi also designed this year’s Frieze staff uniforms — in collaboration with Stone Island, blurring the line between fashion, function, and artistic intervention.

A Place for Korean Galleries

Kukje (B15) presented work by Michael Joo, an artist also in the Venice Biennale’s main exhibition. One gallery took part in Frieze New York for the very first time — Johyun Gallery of Seoul and Busan. Together with Dubai’s Lawrie Shabibi, it was one of only two new participating galleries this year. That a Korean gallery is newly entering Frieze New York is itself a signal. Among Almine Rech’s represented artists is Ha Chong-Hyun, a master of Dansaekhwa; the Hauser & Wirth booth included work by Lee Bul. The place Korean contemporary art occupies on the international stage is widening. KORISE will keep tracking that movement.

A Week Beyond the Fair

Frieze Week is larger than the fair itself. Dia Beacon held exhibitions of Agnes Martin and Lee Ufan. At the Guggenheim, Carol Bove; at MoMA, Marcel Duchamp; at the Met, “Raphael: Sublime Poetry” and “Costume Art.” MoMA PS1’s “Greater New York 2026.” At the Whitney, Jonathan González’s performance ran as part of the 2026 Biennial. In Chelsea, Hauser & Wirth showed new work by Firelei Báez and a Carol Rama retrospective, and David Zwirner showed Philip Guston drawings and paintings. A small gallery in a Chinatown alley and Gagosian’s booth at The Shed exist in the same window of time. That coexistence of scales is the power of New York art week. Hans Ulrich Obrist, whom KORISE interviewed one-on-one in 2024, also appeared during this year’s Frieze Week.

The Temperature of the Market

The market environment around New York art week this year was not entirely comfortable. Global luxury spending was contracting, and tension could be felt even in the upper categories of the art market. Against that backdrop, the deals reported carried more meaning. At Frieze alone, El Anatsui sold for $2.2 million and $1.9 million, Baselitz for €1.4 million, and Turrell for close to $1 million. Much of the trading was concentrated in the first twenty-four hours. It continued steadily after that, but the mood was clear — conviction within caution. Night Gallery sold all seven of Hayley Barker’s paintings within the fair; Public Gallery and Soft Opening reported sellouts. It was a year in which emerging galleries and blue chips delivered results at the same time.

Leaving the Room

Leaving The Shed, I thought: what was this year’s Frieze? Turrell’s light bleeding from the wall, Calfuqueo’s ceramic spelling “blame” in hair, and Sherman in her paper crown were all inside the same building. Collectors who chose a relationship with the artist rather than the market. Galleries that allowed the work to remain difficult, slow, unresolved.

In a world that rewards speed and surface, a room that chose depth is, in itself, a statement of what it holds important. Frieze New York 2026 was that kind of room.

Highlights

“It was not a painting hung on the wall; it was as if the light were bleeding out of the wall itself.”

“They were not scanning; they were gazing.”

“In a world that rewards speed and surface, a room that chose depth is, in itself, a statement of what it holds important.”

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에스컬레이터 위에서 아래를 내려다보면 사람들의 움직임이 한눈에 보인다. 컬렉터, 갤러리스트, 작가, 편집자들이 카페와 큰 토트백을 들고 부스 사이를 빠르게 오간다. 바깥에는 검은 에스컬레이드가 줄을 서 있었다. 몇 주간 이어진 유난히 추운 봄 날씨 끝에 드디어 오후에 햇빛이 터졌다. 그 빛 안에서 Frieze New York 2026이 15회를 맞았다. 베니스 비엔날레 개막 주간 직후였다. 아트 월드가 베니스에서 이 방으로 건너온 시점. 뉴욕 아트 위크는 언제나 페어 하나보다 크다. Frieze와 NADA, 1-54가 나란히 열리고, Hudson Yards 바로 남쪽 Chelsea의 갤러리들이 일제히 오프닝을 잡는다. 68개 갤러리, 26개국, 5일간 75개국에서 25,000명이 찾았다. Frieze 에디션 중 가장 작은 규모이지만, 그 밀도가 오히려 집중력을 만든다.

올해의 공기를 한 마디로 말하면 조급함이 빠졌다. VIP 데이 오전부터 사람들이 몰렸지만, 작품 앞에 머무는 시간이 달랐다. 스캔하는 것이 아니라 응시하고 있었다. 최근 몇 시즌을 지배하던 맥시멀리스트 미학이 수그러들고, 그 자리에 더 사려 깊은 무언가가 들어와 있었다. 트렌드를 쫓는 것보다 작가와의 장기적 관계에 관심을 보이는 컬렉터들이 많았다. 개념적 깊이와 감정적 진정성을 강조한 갤러리들이 가장 오래 사람들을 붙잡았다.

Frieze New York 2026 · The Shed 현장 리포트 · 2026년 5월 13–17일 · The Shed, Hudson Yards · 68개 갤러리 · 26개국 · 25,000명 · 15회

우리는 LA와 런던의 Frieze를 오래 다녀왔다. 도시마다 페어에 입히는 온도가 다르다. Frieze LA는 영화적이다. 빛이 넓고, 대화가 흐르고, 실험이 허용되는 분위기가 있다. Frieze London은 무게감이 있다. 역사적 연속성과 제도적 엄격함이 기본값으로 깔려 있다. 뉴욕은 원래 빠르다. 이 도시의 문화적 대사량 자체가 빠르니까. 그런데 올해는 그 속도를 거스르는 무언가가 있었다. 의도적인 느림. 깊이가 속도보다 중요하다고, 방 전체가 결정한 것 같았다.

James Turrell — 벽에 배어 나온 빛

Almine Rech(D04) 부스 앞에 선다. 수년 만에 뉴욕 페어에 복귀한 이 갤러리가 가져온 것은 James Turrell의 ‘Thought as Thing’(2025)이었다. 타원형 파이버글라스 애퍼처 안에서 컴퓨터 프로그래밍된 LED 패널이 116분 사이클로 빛을 바꾼다. 보라색에서 민트색으로, 청록으로, 다시 부드러운 핑크로. 벽에 그림이 걸려 있는 것이 아니라, 벽 자체에서 빛이 배어 나오는 것 같았다. 그 앞에 서면 평면인지 깊이인지 구분이 사라진다. 시간이 멈추는 느낌이 있었다.

Turrell 작업은 사진으로는 절대 전달되지 않는다. 몸이 있어야 한다. 그렇기 때문에 페어라는 형식에서 이 작품의 존재감은 남달랐다. 부스 전체가 ‘빛과 그림자(chiaroscuro)’라는 테마로 구성되었다. Günther Förg의 어두운 캔버스, Jeff Koons, Marie Laurencin, 심지어 Pablo Picasso의 작업까지 — 빛과 그림자의 변주 안에서 대화하는 구조였다. Almine Rech의 파트너 Ethan Buchsbaum은 “수년 만에 복귀했는데, 이 정도 반응은 예상 밖이었다”고 했다. 이 작품은 $90만–$100만 범위에서 판매되었다.

Cindy Sherman — 종이 왕관을 쓴 여자

VIP 데이부터 가장 사람이 몰린 부스는 Hauser & Wirth(B08)였다. Cindy Sherman의 새 대형 사진 시리즈가 여기서 처음 공개됐다. 1970년대 말 ‘Untitled Film Stills’로 현대 사진을 재정의한 셔먼이, 다시 카메라 앞에 섰다. 이번에는 더 화려하고 더 기이한 변장 속으로 들어간다.

한 작품에서 그녀는 종이 왕관을 쓰고 스툴에 앉아 있다. 눈썹은 화장으로 덮여 보이지 않는다. 하얀 의상은 정갈하고, 별이 빛나는 배경은 분명히 무대 세트다. 왕관은 종이다. 평범한 사람이 군주 흉내를 내는 드레스업. 우아함과 우스꽝스러움, 퍼포먼스와 붕괴 사이를 오가는 셔먼의 40년 작업이 여기 한 장으로 압축되어 있었다. 페어 전체에서 가장 많이 찍히고, 가장 많이 이야기된 부스였다.

이 부스는 셔먼만을 위한 자리가 아니었다. ‘현대 미술을 재편한 일곱 여성’이라는 프레임 아래 Louise Bourgeois, Lee Bul(이불), Jenny Holzer, Lorna Simpson, Avery Singer, Nairy Baghramian의 작품이 함께 놓였다. 세대와 지역을 가로지르는 회화, 사진, 조각이 하나의 부스 안에서 대화하고 있었다. 메가 갤러리가 빠지기 쉬운 함정 — 면적과 이름으로 압도하는 것 — 의 반대를 했다. 절제가 이 부스의 언어였다.

부스별 풍경

David Zwirner는 Joe Bradley의 신작 회화를 공개했다. Pace Gallery(B10)는 Maya Lin과 Leo Villareal의 듀얼 부스를 구성했다 — 조각과 빛이 하나의 공간 안에서 만나는 조합이었다. 작품당 $10만–$20만 범위에서 복수 판매가 보고됐다. Gagosian은 Derrick Adams, Nan Goldin, Titus Kaphar, Sarah Sze, Stanley Whitney를 한자리에 모은 그룹전으로 미술관급 무게를 가져왔다. Gerhard Richter, Helen Frankenthaler, Adriana Varejão 등도 판매가 이어졌다.

White Cube(B09)는 올해 페어의 최대 판매를 기록했다. El Anatsui의 대작 ‘LuwVor I’(2025)이 $220만, ‘MivEvi III’(2025)이 $190만에 판매됐다. Antony Gormley의 ‘SET VII’(2024)는 £45만, Howardena Pindell의 ‘Deep Space #4’(2025)는 $27.5만에 거래됐다. Tracey Emin, Sara Flores, Beatriz Milhazes, Doris Salcedo도 함께 선보였다 — 감정적 강도와 물성적 실험이 공존하는 부스였다. Thaddaeus Ropac은 Georg Baselitz의 ‘Stunde der Nachtigall’(2012)을 €140만에 판매했고, Robert Rauschenberg($82.5만), Alex Katz($60만) 도 거래됐다.

Chelsea의 Karma는 30명 이상의 작가를 한 부스에 모았다. 1938년 Gertrude Abercrombie의 소품부터 Matthew Wong의 두껍게 바른 회화, 메인주 원주민 작가 Jeremy Frey의 바구니 직조 판화까지. Milton Avery와 Peter Bradley가 같은 벽 위에 걸린다. 뉴욕의 예술적 유산이 세대를 건너 연결되는 풍경이었다. Tina Kim Gallery(A09)는 조각, 텍스타일, 회화, 설치의 경계를 가로지르는 10여 명의 작가를 선보이며 페어 전체에서 가장 우아한 부스 중 하나로 꼽혔다. Pio Abad의 작업은 베니스 비엔날레 본 전시 ‘In Minor Keys’에도 포함되어 있었다. Hales(C07)는 추상의 선구자 Virginia Jaramillo의 솔로 프레젠테이션을 선보였고, 센터피스 작품은 $54만에 판매됐다. James Cohan(B04)에서는 Kelly Sinnapah Mary가 부스 벽면에 직접 그림을 그려 카리브해 맹그로브 숲의 정원을 만들었다.

베니스와 뉴욕이 교차하는 지점

올해 Frieze의 독특한 위치는 베니스 비엔날레 직후였다는 점이다. 고 Koyo Kouoh가 기획한 베니스 본 전시 ‘In Minor Keys’에 참여 중인 작가들이 그대로 여기 있었다. Alvaro Barrington(Emalin, C05), Carolina Caycedo(Instituto de Visión, D09), Michael Joo(Kukje, B15), Nabil Nahas(레바논 파빌리온, Lawrie Shabibi, D11), Sara Flores(페루 파빌리온, White Cube), Precious Okoyomon(바티칸 파빌리온, Mendes Wood DM). Lorna Simpson은 Hauser & Wirth 부스에 있으면서 동시에 베니스 Punta della Dogana에도 전시 중이었다.

베니스에서 보고 뉴욕에서 다시 만나는 경험. 같은 작가의 작업을 다른 맥락에서 두 번 보는 것. 그 연속성이 올해 Frieze에 특별한 밀도를 부여했다. 이것은 단순한 동시성이 아니라, 글로벌 미술 담론이 실시간으로 이동하는 풍경이었다.

Focus 섹션 — 세바 칼푸케오의 머리카락

Focus 섹션은 설립 12년 이하 갤러리들의 솔로 프레젠테이션으로 구성된다. 3년차 큐레이터 Lumi Tan이 이끄는 이 섹션은 해마다 Frieze에서 가장 날카로운 발견이 일어나는 자리다. 올해 11개 갤러리가 참가했고, 그중 7개가 신규였다.

올해 수상은 부에노스아이레스의 W-galería가 가져갔다. 런던의 Soft Opening과 뉴욕의 Gordon Robichaux가 특별 언급을 받았다.

W-galería가 선보인 작가는 Seba Calfuqueo— 칠레 산티아고 기반의 젊은 마푸체 작가. 가장 큰 작품 ‘Culpas’(2026)에서는 세라믹 입이 합성 머리카락 줄기를 내뿜는데, 그 머리카락이 ‘Culpas(비난)’라는 단어를 철자하고 있다. 누구의 비난인가. 작품은 말하지 않는다. 칼푸케오는 “머리카락은 마푸체 우주관에서 특별한 의미를 가지며, 이진법적 체계를 피할 수 있게 해준다”고 말한 적이 있다. 베를린 민족학박물관에 소장된 마푸체 유물을 은박 세라믹으로 재제작한 연작도 함께 전시됐다 — 약탈된 것을 돌려받는 행위.

올해 새로 신설된 Sherman Family Foundation 펀드가 Focus 작가들의 작품을 미술관에 수집한다. 첫 해 수집 작가로 Bettina, Joanne Burke, Seba Calfuqueo, Reika Takebayashi가 선정되었고, 작품은 Baltimore Museum of Art과 Brooklyn Museum에 소장된다. Takebayashi는 올해 Frieze 스태프 유니폼도 디자인했다 — Stone Island과의 협업으로, 패션과 기능과 예술적 개입의 경계를 흐리는 작업이었다.

한국 갤러리의 자리

국제갤러리(Kukje, B15)가 Michael Joo의 작품을 선보였다. Joo는 베니스 비엔날레 본 전시에도 포함된 작가다. 올해 처음으로 Frieze New York에 참가한 갤러리도 있었다 — 서울과 부산의 조현화랑(Johyun Gallery). 두바이의 Lawrie Shabibi와 함께 올해 단 두 곳뿐인 신규 참가 갤러리였다. 한국 갤러리가 Frieze 뉴욕에 새로 들어온다는 것 자체가 신호다.

Almine Rech의 대표 작가 중에는 단색화의 거장 하종현(Ha Chong-Hyun)도 있다. Hauser & Wirth 부스에는 이불(Lee Bul)의 작품이 포함되었다. 한국 현대미술이 국제 무대에서 차지하는 자리가 넓어지고 있다. 그 흐름을 KORISE는 계속 추적할 것이다.

페어 바깥의 한 주간

Frieze Week은 페어 자체보다 크다. Dia Beacon에서는 Agnes Martin과 이우환(Lee Ufan) 전시가 열렸다. 구겐하임에서는 Carol Bove, MoMA에서는 Marcel Duchamp, 메트로폴리탄에서는 ‘Raphael: Sublime Poetry’와 ‘Costume Art’. MoMA PS1의 ‘Greater New York 2026’.

Whitney에서는 Jonathan González의 퍼포먼스가 비엔날레 2026의 일부로 진행됐다 — 미술사, 흑인성, 그리고 ‘보이지 않는 것’을 Whitney의 내부와 외부에 불러오는 작업이었다.

Chelsea에서는 Hauser & Wirth가 Firelei Báez 신작과 Carol Rama 회고전을, David Zwirner는 Philip Guston 드로잉과 회화를 보여주었다. Chinatown 골목의 작은 갤러리와 The Shed의 Gagosian 부스가 같은 시간대에 존재한다. 이 스케일의 공존이 뉴욕 아트 위크의 힘이다. 비엔날레나 대형 기획전과 다른 점은 바로 그것이다.

KORISE가 2024년 단독 인터뷰한 Hans Ulrich Obrist도 올해 Frieze Week에 모습을 보였다. 현대 미술계에서 가장 영향력 있는 큐레이터이자 사상가 — 그 인터뷰는 KORISE에서 확인할 수 있다.

시장의 온도

올해 뉴욕 아트 위크를 둘러싼 시장 환경이 마냥 편안하지는 않았다. 글로벌 럭셔리 소비가 위축되고 있었고, 미술 시장의 상위 카테고리에서도 긴장이 감지되었다. 그 배경 안에서 보고된 거래들은 더 의미가 있었다. Frieze에서만 El Anatsui 작품이 $220만과 $190만에 판매되었고, Baselitz가 €140만, Turrell이 $100만 가까이에 거래됐다.

거래의 상당 부분은 첫 24시간에 집중되었다. 이후로도 꾸준히 이어졌지만, 분위기는 분명했다 — 신중함 속의 확신. Night Gallery는 Hayley Barker의 회화 7점을 페어 기간 내 전부 판매했고, Public Gallery와 Soft Opening은 솔드아웃을 보고했다. 이머징 갤러리와 블루칩이 동시에 결과를 낸 해였다.

방을 나오며

The Shed를 나오며 생각했다. 올해의 Frieze는 무엇이었나. 벽에서 배어 나오는 Turrell의 빛과, 머리카락으로 ‘비난’을 철자하는 Calfuqueo의 세라믹과, 종이 왕관을 쓴 Sherman이 같은 건물 안에 있었다. 시장이 아니라 작가와의 관계를 선택한 컬렉터들. 작품이 어렵고 느리고 미해결인 채로 있는 것을 허락한 갤러리들.

속도와 표면을 보상하는 세계에서, 깊이를 선택한 방은 — 그 자체로 자신이 무엇을 중요하게 여기는지를 보여주는 것이다. Frieze New York 2026은 그런 방이었다.

KORISE는 예술, 문화, 그리고 그것을 만드는 사람들을 기록합니다. 세계 주요 아트페어 현장 리포트 시리즈의 첫 번째. 다음: Frieze Seoul 2026.

하이라이트

“벽에 그림이 걸려 있는 것이 아니라, 벽 자체에서 빛이 배어 나오는 것 같았다.”

“스캔하는 것이 아니라 응시하고 있었다.”

“속도와 표면을 보상하는 세계에서, 깊이를 선택한 방은 그 자체로 자신이 무엇을 중요하게 여기는지를 보여주는 것이다.”